Гитаризм.RU » Заметки » Рецензии

В следующем году Deftones отмечают свое двадцатипятилетие. За это время квинтет из Сакраменто стал одним из наиболее знаковых музыкальных коллективов двух последних десятилетий. Их напряженное меланхоличное звучание и мощная харизма продолжают вдохновлять многих музыкантов. На альтернативной сцене появляются, как грибы после дождя, коллективы, подражающие Deftones, но никому из них пока не удалось достичь тех же высот, не говоря уже о том, чтобы превзойти Чино Морено и компанию. Конкуренты приходят на музыкальную сцену и покидают ее, а Deftones вот уже на протяжении многих лет остаются на гребне какой-то своей волны.
Про многие «заслуженные» музыкальные коллективы в последнее время все чаще и чаще говорят: «они уже не те», «они опопсели», «они поддались модным течениям». Но Deftones — совсем не тот случай. На каждом новом альбоме от этой команды безошибочно узнается их уникальный стиль. В то же время они не стоят на месте, эволюционируют и развиваются, сохраняя идеальный баланс старого и нового.
Седьмой по счету студийный альбом Deftones, увидевший свет 12 ноября 2012 года – отличное тому подтверждение. Пластинка получила название Koi No Yokan – «предчувствие любви». Согласно названию, атмосфера альбома – не привычный для музыки Deftones упадок, а, наоборот – надежда. Этот альбом, пожалуй, самый целостный и концептуальный из всей богатой дискографии команды. Открывающий трек Swerve City сразу же обрушивает на слушателя агрессивные ритмы ударных – мощное начало задает тон всей пластинке. На альбоме Koi No Yokan немало электронных элементов, зато полностью отсутствует речитатив, которого было достаточно в предыдущем полноформатнике. На альбоме, традиционно, достаточно много свободного пространства: музыка не перегружена жесткими риффами и напористым вокалом. В песнях много мелодичных и тихих элементов – опять же, группе удается поддерживать гармоничность, на альбоме, пожалуй, нет ничего, что можно было бы описать словом «слишком». Альбом Koi No Yokan только-только появился на прилавках музыкальных магазинов, но уже получил высочайшие оценки от критиков и массу положительных отзывов от поклонников. Определенно, эта пластинку уже можно назвать одним из лучших альбомов Deftones.

Arrows and Anchors – четвертый студийный альбом техасских рокеров Fair to Midland, выпущенный летом 2011 года. Эта красивая и оригинальная по достоинству была названа некоторыми критиками лучшим релизом 2011 года. Музыку Fair to Midland сложно отнести к какому-то конкретному стилю – эти музыканты не останавливаются на чем-то одном, они постоянно смешивают, казалось бы, несовместимые элементы и получают то, что можно назвать разве что их уникальным стилем. Альбом Arrows and Anchors, пожалуй, даже превзошел в этом плане предыдущие работы. Здесь есть практически все: отрешенные мелодии в духе пост-рока, мелодичные клавишные партии, жесткие гитарные рифы и даже банджо. Сложно представить все эти вещи, собранные и переплетенные в одно целое, для этого нужно просто услышать эту пластинку. Вдобавок к такому своеобразному миксу, музыканты не придерживались традиционного строения песен «куплет-припев», их композиции хаотичны, но оттого становятся даже интереснее.
Тексты песен с альбома Arrows and Anchors не менее интересные и своеобразные, чем музыка. Стихи, написанные Дэрро Саддертом, абстрактные, удивительно метафоричные и неоднозначные, их потрясающая образность даже не всегда позволяет с первого раза вникнуть в смысл, заложенный в композиции. Фронтмен Fair to Midland виртуозно жонглирует словами, складывая их в такие же необычные узоры, как и музыка на альбоме, что в целом придает пластинке элемент психоделичности.
Звучание Fair to Midland на альбоме Arrows and Anchors стало ощутимо тяжелее, а риффы жестче, но легкий и несколько отрешенный вокал, а также невесомые мелодии клавишных создают прекрасный баланс.
Несмотря на то, что песни на альбоме очень разноплановые, они очень органично собраны на альбоме в единое целое, как разноцветные элементы мозаики, поэтому для того, чтобы полностью ощутить атмосферу этой пластинки, стоит слушать ее от начала до конца. Альбом очень целостный, некоторые из треков – вступительные, переходные, они плавно соединяют яркие и необычные композиции, которые уже после первого прослушивания остаются надолго крутиться в голове.

If These Trees Could Talk – американская пост-рок команда, которая скромно дебютировала уже более 5 лет назад. Своими силами музыканты записали дебютный EP, который получил высокую оценку критиков. В 2009 году If These Trees Could Talk выпустили на независимом лейбле полноценный дебютный альбом, получивший название Above the Earth, Below the Sky. Именно на этом альбоме появились треки, которые и по сей день являются «визитной карточкой» группы.
Звучит альбом в лучших традициях стиля: никакого вокала, только слегка меланхоличный минимализм. И деликатные переборы, и жесткие рифы, паузы и шумы идеально сочетаются друг с другом, переплетаясь в единый красивый узор. Десять треков плавно переходят один в другой, создавая ощущение полного покоя. Звучание отлично соответствует как названию группы, так и названию альбома: слушая эту музыку, хочется в уединении наблюдать за природой. Эта пластинка – медитативная и созерцательная. Спокойные, «ажурные» мелодии помогают отрешиться от реальности и проблем и заглянуть вглубь себя. Отсутствие вокала совершенно не ощущается: он был бы здесь лишним. А так – это просто природа, в которой слушатель остается наедине сам с собой.
В плане используемых инструментов If These Trees Could Talk тоже довольно минималистичны. В отличие от многих пост-рок команд, которые широко используют в своих записях клавишные, а кто-то даже и оркестровые аранжировки, музыка If These Trees Could Talk – это только гитара, бас и ударные. Впрочем, это сочетание звучит очень полно и объемно. В целом пластинка Above the Earth, Below the Sky получилась глубокой и атмосферной. Открывающие треки – первый From Roots To Needles и следующий за ним What’s In The Ground Belongs To You – наверное, можно назвать самыми яркими, что очень удачно: они «цепляют» и увлекают слушателя в удивительный мир пластинки. Несмотря на это, не стоит считать, что после мощного начала альбом идет на спад – любители жанра найдут на нем немало достойных композиций. Хотя команду If These Trees Could Talk сложно отнести к «мэтрам» жанра, их музыка вполне достойна того, чтобы оказаться в плеере каждого любителя пост-рока.

Avenged Sevenfold, на заре карьеры игравших модный металкор, сейчас можно с полной уверенностью отнести к классическим хеви-металлистам новой волны. К настоящему моменту на счету команды пять полноценных альбомов, достаточно непохожих друг на друга стилистически – Avenged Sevenfold продолжали, а может, и по сей день продолжают искать новое звучание. Пятый альбом под названием Nightmare увидел свет в 2010 году. Обложка альбома оформлена в лучших традициях хард-рока и хеви-металла – броские черепа и надгробия, выполненные в характерном стиле, как на оборотах низкопробных ужастиков. Однако поверхностная обложка скрывает за собой глубокий, эмоциональный и интересный альбом. Его релиз состоялся в непростое для группы время: во время записи группа потеряла барабанщика Джимми Салливана. Альбом Nightmare музыканты посвятили покойному другу и коллеге.
И название, и обложка альбома недвусмысленно указывают на основной мотив пластики. Открывает ее одноименный заглавный трек. Начало напоминает музыку из хоррор-фильма – вот-вот что-то произойдет. И вот в тихую мелодию врывается жесткий гитарный рифф и раскаты ударных, а вокалист М. Шэдоус оглушает воплем: «Nightmare!», и альбом набирает обороты. Вторая композиция, не менее энергичная, дерзко приглашает окунуться в этот мир кошмаров. Впрочем, ничего леденящего кровь на этом альбоме нет – скорее, он производит несколько трагичное нежели устрашающее впечатление. На альбоме несколько прекрасных проникновенных баллад и мощных треков на остросоциальные темы – они не оставляют слушателей равнодушными. Можно обвинить Avenged Sevenfold в чем угодно: в подражательстве, в однообразии риффов, но есть одна вещь, которая с лихвой покрывает все эти недостатки, надуманные или реальные – это их харизма. Они делают музыку от души, и это хорошо заметно.

Весной 2012 года шведские металлисты Meshuggah порадовали поклонников новой пластинкой. Седьмой полноформатный альбом команды получил название Koloss. Открывает ее заглавный трек – I am Colossus. Meshuggah не стали церемониться с какими-либо прелюдиями – композиция начинается и заканчивается претенциозным заявлением: «Я – колосс!» Впрочем, оно вполне соответствует как и самой группе, так и ее новому релизу. Он мощный, жесткий, монструозный и поистине колоссальный. Альбом состоит из 10 монументальных треков. За счет невысокого ритма, впрочем, смотрится он масштабно и даже эпично. Этот альбом – мощная машина, способная разрушать все на своем пути. Он захватывающий, атмосферный и психоделичный. Koloss достаточно сильно отличается от предыдущего творчества группы. Meshuggah несколько отошли от своего индустриального звучания в пользу чему-то более мистическому, пропитанному духом древности. Здесь уже нет того ритмического безумия, которое можно услышать на более ранних пластинках. Группа, ставшая иконой, объектом подражания для множества команд, в очередной раз доказала, что ее заслуги вовсе не напрасны. Оставаясь верными своему фирменному звучанию, музыканты сумели показать себя с совершенно новой стороны. Они вышли за рамки традиционного прогрессив-металла. Альбом полон тяжелейших риффов, за счет пониженного стоя создающих впечатление мрачное и мистическое. Альбом получил неоднозначные отзывы поклонников: кому-то он показался однообразно мрачным, но, тем не менее, нельзя однозначно сказать, что это так. Треки пластинки, выполненные в едином тяжелом и угрюмом ключе, представляют собой и мощные тяжелые композиции с невысоким ритмом, и скоростные и энергичные мелодии, и даже баллады. Необычная, загадочная атмосфера альбома затягивает, заставляет погрузиться в глубину древнего мрака с головой. Музыканты из Meshuggah не стоят на месте, они продолжают развивать, двигаться по им одним известному пути, всегда оставаясь на полшага впереди своих последователей , радуя любителей музыки потяжелее интересными и сильными работами.

2010 год принес группе The Human Abstract много изменений. В состав вернулся один из основателей группы – A.J. Minette, и группа начала сотрудничество с новым лейблом. Все это позволило творчеству The Human Abstract выйти на качественно новый уровень. В 2011 году они представили на суд слушателей пластинку Digital Veil, приглашенным вокалистом на которой выступил Трэвис Рихтер, известный по работе с группами From First To Last и The Color of Violence. Пластинка вышла довольно неожиданной для всех поклонников. На диске всего восемь треков, считая инструментальное интро. Зато каких! Альбом получился тяжелым, изобилующим быстрыми мелодичными риффами и экстремальным вокалом, с характерными для прогрессив-металла хаотичными гитарными партиями и изменчивыми ритмами.
Открывает альбом интро Elegiac – медленная, нежная и грустная мелодия акустических гитар. В середине трека резко вступают ударные, а гитары единомоментно переключаются электрические. Мощное, красивое и динамичное, вступление напоминает классику Вивальди, и своими гитарными нотами трогает, а затем пронзительно врывается в душу. Второй трек развивает тему интро – мелодия остается такой же пронзительно-грустной, но темп нарастает, а риффы переходят от классики в прогрессив. В пределах одной этой композиции The Human Abstract умудряются продемонстрировать все, на что способны: здесь и мощные раскаты ударных, и жесткие рваные ритмы, перемежающиеся нежными вставками клавишных, басовое соло, и даже элементы а капелла. Трек Complex Terms – это словно квинтэссенция всего, что можно услышать на этом альбоме, и, несомненно, отличный старт для пластинки. Медленных композиций на альбоме, как таковых, нет, но атмосфера альбома – напряженная, немного меланхоличная и даже трагичная – дает понять – это именно те The Human Abstract, к которым привыкли поклонники.
Глядя на пластинку Digital Veil, сложно понять, что скрывается внутри. Обложка диска, как минимум, малообещающая. Не мудрствуя лукаво, оформители изобразили на ней, собственно, цифровую вуаль – женское лицо прилагается. Обложке с подобным дизайном великое множество, поэтому взгляду на этом альбоме зацепиться совершенно не за что. Чего никак нельзя сказать о слухе – альбом увлекает с первых нот. Это очень красивая и интересная музыка, которую, скорее всего, по достоинству оценят как поклонники группы, так и просто любители прогрессива. В погоне за новым звучанием команда не потеряла себя и своего уникального стиля, продолжая радовать своей харизмой.

Третий студийный альбом британской пост-хардкор команды Enter Shikari увидел свет в начале 2012 года. Его открывает энергичный бит интро System… – напряженный, настойчивый, заставляющий прислушаться. На самом деле, музыкальная составляющая представляет собой скорее фон, главный же элемент – текст: он метафоричный, остросоциальный и цепляющий. По сути, вступление составляет единое целое с первым треком – …Meltdown, о чем недвусмысленно намекают многоточия в названиях. Интро обрывается на кульминационном моменте, а следующая за ним композиция развивает его в полноценный трек – резкий и агрессивный, полный протеста.

Звучание треков этого альбома вполне соответствует их содержанию – музыканты рискуют, сочетая самые невероятные вещи, творя революцию в устоявшихся музыкальных направлениях, не боясь никакой критики. На A Flash Flood of Colour можно услышать элементы металла, панка, попа, дабстэпа, транса, хардкора – все это сливается в термоядерную смесь. Ритм по нескольку раз лихо меняется в пределах одной композиции. Консистенция альбома, конечно, тоже неоднородная: есть как тяжелые и агрессивные, так и достаточно лиричные треки. Какие-то из них очень резкие и серьезные, обличительно заявляющие о недостатках и пороках современного общества, социальной и политической систем. Другие – более легкие по своей атмосфере. Например, в Gandhi Mate, Gandhi слышно, что музыканты дурачатся и веселятся на протяжении всего трека, тем не менее, хуже он от этого ничуть не становится.

Завершает пластинку медленный и лиричный трек «Constellations», который больше похож на аудиокнигу или моноспектакль. Минималистичные звуки клавишных являются фоном для текста, который слегка нараспев рассказывает вокалист Ру Рейнолдс. Ближе к концу ритм, тем не менее, ускоряется, вступают гитары, вокал становится резче и настойчивее, призывая объединиться и вместе творить светлое будущее. Альбом A Flash Flood of Colour просто не позволяет сидеть на месте. Бодрый, неординарный, призывный, он прямо-таки требует встать двигаться вперед, действовать, бороться и менять мир к лучшему.