Гитаризм.RU » Заметки » Рецензии

У Эрика Клэптона больше двух десятков  сольных работ, множество совместных. Данная пластинка не удивляет чем-то новым – все тот же качественный R’n’B (это означает ритм-н-блюз в исторически верном понимании), а также регги и джаз в исполнении знаменитого британского музыканта и коллег. Но и создана она не для того, чтобы покорять хит-парады и переворачивать сознание, а чтобы слушатели просто пережили приятные эмоции.

Сам Клэптон, не лишенный чувства юморы, преследовал еще одну цель – напомнить, что хоть он и не молод, но может еще пригодиться. В общем, веселый альбом (не значит, что лишенный грустных песен), с самоиронией. Да и называется он забавно – “Старый носок”. Слово “носок” можно заменить на более яркое русское выражение, чтобы передать все чувства маэстро!

Создавались 12 композиций примерно так: Эрик и его друзья пришли в студию, чтобы весело пообщаться, поболтать, вспомнить отличные песни 20-го века разной направленности и аккуратно создать свои версии. Да, кроме композиций «Every Little Thing» и «Gotta Get Over» весь материал является “кавером”, иначе говоря – “перепевкой”. Помогали видному британцу не менее видные музыканты – Джей Джей Кейл, вокалистка Чака Хан. Даже сам Пол Маккартни отметился голосом и игрой в «All Off Me». Состав участников является гарантией отличного качества, все действительно на высоте.

Можно сказать, что блюзу здесь уделено не так много места, а от Клэптона часто ждут именно такой музыки. Здесь скорее правит многоголосие – соул, джаз, фолк, кантри, регги и, разумеется, сам блюз. Звучит все мягко, приятно, словно погружаешься во времена до возникновения безумного рок-н-ролла.

А теперь поподробнее о песнях, которые тут присутствуют. Они представляют собой тщательно отобранные Клэптоном композиции, отличившиеся в 20 веке, при этом в разных десятилетиях. Приведем несколько примеров.

• Вступление – «Further On Down The Road» – это композиция блюзмена-экспериментатора Тадж-Махала. Получился яркий регги. Еще этот жанр отметился в «Till Your Well Runs Dry» (автор Питер Тош).
• Джаз удастся услышать в «Love Is Here to Stay» братьев Гершвин, «All Of Me» (Джеральд Маркс, Сеймур Симонс).
• Особо звучит бессметный блюз – “Still Got The Blues” Гэри Мура. Это дань уважения недавно ушедшему виртуозу гитары.

Итак, «Old Sock» представляет собой альбом, который еще до прослушивания практически полностью знаком. Обложка с портретом музыканта на солнечном фоне, название композиций и имена тех, кому они принадлежат, тех, кто участвовал в записи – все это начинает говорить за себя еще до включения. Но это совсем не значит, что не хочется нажать на кнопку “Play”. Вряд ли возникнет желание делать это ежедневно, но по праздникам и во время встречи с хорошими друзьями – самое то!

Поделимся впечатлениями о совсем свежем альбоме Depeche Mode, вышедшем 22 марта. Начнем непосредственно с музыки. О ее форме свидетельствует заглавие пластинки. Слово “delta” отсылает к традиционному блюзу – дельта-блюзу. Его ритм стал основой основ многих направлений совреме6нной музыки. “Machine” громко заявляет, что это та же легендарная Depeche Mode с ее электронным “машинным” звуком. Сочетание этих элементов прослеживается практически повсеместно, а в композициях “Slow” и “Goodbye” в полной степени ярко.

Почему было принято решение работать в таком стиле? Мартин Гор сказал, что блюз оказал огромное влияние на творчество коллектива, а в этот раз они это более отчетливо выразили. Но ни в коем случае не стоит переживать, что Depeche Mode утратили хоть долю своей индивидуальности. Совсем наоборот, эксперименты со звуком помогают ее подчеркнуть еще сильнее.

Каждый слушатель точно найдет нечто свое. Так, любители традиционности оценят «Secter To The End», «Broken». Кстати, индустриально оформленная обложка также является отличным свидетельством, что перед нами все та же британская легенда рока и электронной музыки.

Основной вариант пластинки включает в себя 13 треков, все вместе они длятся без малого час. Многие уже успели познакомиться с двумя синглами – «Heaven» и «Soothe My Soul», вышедшими в феврале и марте соответственно. Они  дали впечатление об итоговой работе, но блюза именно в них не так много, может быть он чуть больше завуалирован. А цельное произведение смогло неожиданно удивить его ярким присутствием.

Мы упомянули про основное издание, состоящее из одного диска. Есть и вариант расширенный (“делюкс”) – с дополнительным диском, на нем записано еще 4 новых песни, а также в него входит буклет с 28 страницами интересной информации, текстов. Конечно же, послушать «Delta Machine» удастся не только на CD, но и на виниловой пластинке. Последний вариант, вероятно, самый предпочтительный и лучше всего передаст тонкости концепции.

Что касается оценок, то времени прошло совсем немного, станет ли пластинка знаковой – неизвестно. Одним пересушивать этот электронный блюз захочется, интересно будет переводить тексты. Другие посчитает его несовременным, даже скучным. А потом, хочется верить, может лет через 10, все же захотят вернуться к корням и откроют «Delta Machine» заново. Так уже не раз происходило в истории.

Удивительно, но самые низкие и высокие оценки за работу коллектив получил в родной Британии. Критик газеты «The Independent» Энди Гилл поставили ему двойку, сказав, что это “слабый альбом, быстро надоедающий”. В лондонском журнале «Time Out» его назвали “одной из лучших вещей коллектива”. Ну а мы скажем так – истина где-то посередине, смотря с какой точки зрения смотреть, то есть слушать.

Нил Янг прославился как рок-музыкант с огромным творческим богатством: более двух десятков сольных студийных альбомов, три с легендарной группой Buffalo Springfield и уже десять с не менее легендарным коллективом Crazy Horse. И это далеко не все.

Что касается летней пластинки «Americana» 2012 года, то она, во-первых, долгожданная (с 2003 не было совместных альбомов с Crazy Horse), а во-вторых, благодаря ей появилась еще 2-х дисковая работа «Psychedelic Pill». Все дело в том, как создавалась «Американская жизнь» (слово “americana” примерно так и переводится) исключительно в полнолуние, о чем признался гитарист Фрэнк Сампедро. В итоге, потребовалось полгода на скрупулезную запись всех композиций. Но, что вполне естественно, музыканты нередко импровизировали в свое удовольствие, и эти джем-сейшны и стали частью второго альбома 2012 года. Итак, нас порадовали двумя пластинками: «Americana» математически “построена”, а «Psychedelic Pill» спонтанна. Но сейчас остановимся на первой.

В первую очередь обращается внимание на народность, это взгляд не только на современную Америку, а на ее историю и культуру. Обложка изображает известную в США иллюстрацию – вожди индейцев на машине. Только лица у вождей не родные, а музыкантов Crazy Horse и Нила. Взглянув же на треклист, сразу становится ясно, что и песни присутствуют фольклорные. К ним относятся «Clementine», «Tom Dula», «Gallows Pole», «Travel On», «Jesus’ Chariot», «Wayfarin’ Stranger». Да и остальные не сочинены Янгом, а принадлежат композиторам Томасу Арну (знаменитая «God Save the Queen»), Стивену Фостеру («Oh Susannah»), а также музыкантам, игравшим блюз и кантри в 20-м веке – Вуди Гатри («This Land Is Your Land»), группе The Silhouettes («Get a Job») и Билли Эдд Уилеру («High Flyin’ Bird»).

Благодаря такому, прямо скажем, необычному, но логичному выбору создается совершенно уникальная атмосфера, словно стоишь на одной из вершин Скалистых гор и обозреваешь историю этой далекой страны. А своеобразная несколько шумная и не всегда гармоничная музыка, лаконичный и жесткий вокал, нередко сопровождаемый хором, в том числе и женским, даже скорее церковным, («Ton Dula», «Gallows Pole», например), превращают образы в реальность. Вот из Алабамы едет на встречу к любимой молодой и удалой человек с банджо; афроамериканец ищет работу; предстает само ее Величество. Всего же несколько десятков различных сцен простых и посложнее можно узреть во время прослушивания этого альбома. 11 песен – большой простор для воображения.

Для полной ясности стоит сказать, что и аранжировка многих композиций сохранена оригинальная, лишь к некоторым приложили руку товарищи Нила и он сам. Но всегда отчетливо слышна перегруженная гитара, она неизменно на первом плане. Звучит традиционно – не замылено чисто, а шероховато, пыльно, приятно грязно. Впрочем, аналогично можно сказать и о ритме ударной установки и баса. А вот вокал хора, о котором упоминалось выше, удачно контрастирует. Благодаря этим решениям (пусть и не новым) от Нила Янга и Crazy Horse создается впечатление, что слушаешь винил.

Что касается общих оценок, то многие западные источники не приняли такое творчество этого коллектива, но мы подобного сказать не можем, все-таки «Americana» дает возможность избавиться от стереотипов о той самой американской жизни и просто прочувствовать неголливудскую атмосферу страны, сложную и простую одновременно. Может в этом ошибка пластинки, а может и вся прелесть…

Вышедший 5 марта 12-ый посмертный альбом Джими Хендрикса состоит из 12-ти композиций, либо совсем не изданных ранее, либо изданных не в той аранжировке, которая представлена здесь (например, песня «Hear My Train a Comin»).

В первую очередь стоит отметить высочайшее качество всех записей, они выполнены в студии, помогали величайшему гитаристу его профессиональные товарищи – Билли Кокс, Бадди Майлз и другие. Продюсером и инженером звука выступает Эдди Крамер. Он также сказал, что больше не планируется выпускать посмертных альбомов. Этот, с символичным названием, порядковым номером и количеством песен, является, судя по всему, последним. Возможно, выйдут лишь концертные записи.

Что касается звучания, то оно действительно удивляет. Так, выделенная выше «Hear My Train a Comin», знакомая для большинства, как достаточно спокойная композиция, в данном случае характеризуется сильным электрическим звучанием. Вместо 12-ти струнной акустической гитары используется электрический инструмент (Fender Stratocaster наиболее вероятно). Присутствует крайне энергичное соло. Также и начало альбома – песня «Earth Blues»  – выделяется более жестким звуком, хотя и раньше нельзя было про нее сказать обратного. Еще в ней, да и во всех остальных произведениях, чувствуется, что записи делались именно для того, чтобы стать частью определенного запланированного альбома – звучание чистое и в то же время художественное (действительно подходящее слово).

Отдельного внимания заслуживает 4-ый трек, «Bleeding Heart». Он часто исполнялся на концертах гения гитары, но сочинил его не Джими Хендрикс, а блюзовый музыкант Элмор Джеймс, умерший в 1963 году. В отличие от концертной версии, представленная в «People, Hell and Angels», “приятно освежает”, как сказано о ней в известном интернет-издании «AllMusic».

Кстати, примечателен тот факт, что аудитория портала «AllMusic» оценила последнюю пластинку выдающегося гитариста в 3,5 “звезды” из 5 максимальных (данные верны на 13 марта 2013). Это несколько странно, ведь вряд ли можно назвать уместным выставление баллов посмертным пластинкам, так как это, по сути, память о творческом человеке. Поэтому поясним, что эта статья является не рецензией, а простым обзором, рассказом о впечатлениях.

Еще несколько интересных фактов. Песня «Izabella» кардинально отличается от той, что звучит на концертном альбоме Band of Gypsys (выступление с фестиваля Вудсток), который вышел еще при жизни Джими Хендрикса. Музыкант решил в студии поработать над ней и потом представить публики в ином звучании. И вот, наконец, мы можем ее услышать. Завершением служит «Villanova Junction Blues», композиция так и не была закончена, это своеобразное троеточие.

Вышедший в 2010 году альбом британской группы 65daysofstatic не остался не замеченным, в том числе и в России. Коллектив выступил с успехом в нашей стране, слушатели благодаря ему отправились в мир космических звуков. Это четвертая пластинка команды, которая играет математический, экспериментальный рок, “музыку галактических помех”. Благодаря ей вновь рисуется бесконечность, понимание того, что наша планета действительно мала, но царящие на ней чувства имеют место быть. Еще как имеют!

Итак, прогуляемся по просторам этой фантастической сказки, а может исторического романа будущего. Пишется он с помощью традиционной для 65daysofstatic смеси мощного электрического звука синтезаторов, ударных, гитар. Медленное сменяется быстрым, лаконичное – наполненным. В общем, все классически для группы, это продолжение заложенных основ. Поэтому многие впечатления касаются как альбома «We Were Exploding Anyway», так и предыдущих, и, наверное, последующих.

Хотя в данном случае сначала словно происходит переход с небес на землю, скажем так. Это ощущается не только благодаря более “чистым” (радиопомех стало меньше или они просто утончены) композициям, но и за счет оформления обложки (приглядитесь, какая она романтичная и простая, земная), названий произведений. Особенно об этом ярко свидетельствует песня «Come to Me». Да, в ней удастся услышать не только акустико-электрический оркестр, энергичные переходы, но и вокал. Поет не кто-нибудь, а Роберт Смит, лидер легендарной The Cure. Он даже не поет, а обращается к своей возлюбленной. Кстати, призывает он ее закрыть глаза, чтобы задуматься, ведь так можно совершить путешествия уже с земли на небо и еще выше. В общем, метаморфозы.

Вообще, хочется отметить, что прекрасному полу уделяется действительно значимое место. Так, в заключение играет композиция «Tiger Girl». Думаем, что переводить название даже не придется, а послушав ее, суть станет ясна. Кстати, это сочинение и другие лучше воспринимается с закрытыми глазами, отключив все остальные эмоции. Тогда удастся осуществить самое настоящее космическое путешествие.

Стоит обратить внимание еще на композицию «Dance Dance Dance», как весьма примечательную для общей картины. Мы не станем ее разбирать по кусочкам, просто она отлично свидетельствует о том, что группа в целом акцентирует на этот раз на танцевальных направлениях, в некоторые моменты даже забываешь, что это рок. Но, что примечательно, такая электроника воспринимается и ценителями, так называемой, тяжелой музыки. Может быть потому, что в данном случае преобладает не развлекательность, интерактивность, а образность, наделенная концепцией? А если употребить избитое (к сожалению) слово, то смысл.

Вышедший в 2011 году альбом «Сделано в темноте» весьма примечателен, хотя он не приобрел широкой известности, возможно, что сегодня даже подзабыт. Интересна и сама команда Смысловые Галлюцинации. Во-первых, она пример того, что необязательно жить в столице (хотя бы северной), чтобы быть творчески успешной. Во-вторых, это несколько нетрадиционный для России рок. Если говорить просто – много звука электронного, не электрического гитарного, а именно клавишного. Хотя в данном случае он не выделяется на общем фоне. В-третьих, время показало, что группа не бежит сломя головой за модой и только однажды она были модной. Все мы помним когда. В этой пластинке тех песен и подобных, к счастью или сожалению… есть. Но все же частью пластинки их считать сложно.

Итак, начнем. Что касается общего звука, то он многогранен, но лаконичен. Присутствие синтезаторов непрофессионал почувствует не сразу. Лично автор статьи заметил своеобразные космические клавишные звуки с четвертой песни – «Последний день Земли» (она несколько апокалиптического характера). Первые три («Все изменится», «Демоны», «Погружаюсь») запоминаются грустными гитарными и спокойными, но поступательными барабанными ударами.

Всего композиций 13. Случайно или специально эта цифра подчеркивает депрессивность, кризисность (слово может неверное с точки зрения грамматики, но критичность тоже не подходит), о которой говорится практически в каждой песне – неизвестно.  Но хочется отметить, что именно новыми, концептуально едиными по большей части являются первые восемь треков. То есть от «Все изменится» и до «Волны». Неплохо слушается и девятый – классический «Больно». А дальше идут вещи иные: исполненный дуэтом хит, в другой аранжировке песня с прошлого альбома, также достаточно известный и популярный саундтрек «Волшебный мир» к одному из российских фантастических фильмов, бонус «Буду ждать», который исполнил не Сергей Бобунец. Поэтому четыре песни – скорее дополнение, а «Сделано в темноте» – все же девять произведений. По крайней мере, после них возникает некая дисгармония.

Что касается самого настроения, которое создается во время и после прослушивания, то уже было упомянуто, что оно вряд ли может называться “позитивным”. И на самом деле это хорошо, потому что последнего хватает в форматной поп-музыке. А когда взрослый, умный человек говорит, о том, что действительно бывает плохо на душе, что порой посещают голову мысли, которые и не должны (согласно общей парадигме) посещать, что иногда хочется залечь на самое дно, жить не слышно и не видно – в этом есть серьезность. Ведь это правда, что люди ловко давят на других, заставляют их верить, что иная, нестандартная жизнь и образ мыслей – “одна сплошная ошибка”.

В то же время, и это важно, перед нами размышление в первую очередь, не  подростковый протест, а анализ, цель которого – убедить быть добрее и терпимее, любить и если нужно – расставаться, но делать все честно, по-человечески. Вот на этих аккордах, извечно ля-минорных, закончим сию рецензию.

Sunrise Avenue – финская рок-группа, популярные хиты которой наверняка слышали даже люди мало интересующиеся данным жанром музыки. Если вы все еще не поняли о ком идет речь, вспомните песню «Fairytale Gone Bad», вошедшую в первую пластинку коллектива 2006 года. Ну а сейчас поговорим об их третьем и последнем на сегодняшний день альбоме «Out Of Style», вышедшем в 2011 году.

Начнем с названия. Выражение “out of style” можно перевести на русский как “вне стиля”. Вопрос в том, какой именно стиль имела в виду команда? Если традиционные характеристики рока и рок-н-ролла, тогда название себя оправдывает. Ведь Sunrise Avenue отличается от многих коллективов оптимистичностью своих композиций, в которых значимое место отведено любви и бодрости.

Если же ребята подразумевали выход за рамки своего собственного стиля, то здесь, пожалуй, можно поспорить. Слушая композиции (всего их 12) и читая тексты, легко замечаешь все тот же динамизм музыки, наполненный неунывающим вокалом (I Don’t Dance, I Gotta Go, Out Of Tune) либо же мелодичную лирику, повествующую об уходящем, но остающемся в сердце и потому – приятном (Hollywood Hills, Somebody Help Me, Sweet Symphony).

Вот так собственно, обратив внимание на название, удалось охватить весь альбом в общих чертах. О чем еще стоит сказать? О смысловой нагрузке. У Саму Хабер есть две основные темы: о девушках и об эмоциональной составляющей своей личности, о важных чертах характера, необходимых каждому человеку. Иногда Саму поет, что они у него есть, иногда – что, увы, нет.

Персонаж почти каждой песни постоянно чего-то хочет или он что-то должен, либо же собирается сделать что-либо. Такие тенденции выражаются в повсеместно встречающихся фразах, типа «wanna», «gonna», «gotta», «I need» или, наоборот, «I don’t wanna», «I can’t», «I don’t need».

Данный альбом интересен и тем, что помимо основного варианта он имеет еще два: «Out Of Style – Special Edition» (2011) и «Out Of Style – Live Edition» (2012). «Special Edition» – это расширенное издание, включающее в себя свежие версии некоторых новых и старых песен.

«Live Edition» же представляет собой концертную запись, состоящую из 13 композиций. Интересно, что некоторые песни с последней пластинки не были включены в программу – «Kiss Goodbye», «Sex & Cigarettes», «The Right One». Однако в нее вошли хиты прошлых лет, такие как «Fairytale Gone Bad», «Only», «Wonderland», «Welcome to my life».

В общем, слушать Sunrise Avenue приятно, как всегда.