Гитаризм.RU » Заметки » Рецензии

Знаете, на данном разделе этого сайта мы говорим не только о пластинках, которые вышли вот-вот. Нет, мы можем окунуться с головой и в прошлые десятилетия. Ведь многие читатели юны, молоды, а может просто кто-то упустил когда-то нечто интересное. А узнавать что-то новое (да и повторять старое) поздно не бывает. Поэтому, почему бы не написать сегодня об уже расформированной группе Dire Straits и об их действительно культовом альбоме 1985 года «Brother in Arms»?

Читать дальше »

Известный во всем мире немецкий рок-коллектив Scorpions существует еще с 1965 года. Верно прослужив своему делу 45 лет, его участники отправились в прощальный тур, который затянулся аж на 3 года. Но в рамках этого периода произошло удивительное, неожиданное для самих музыкантов событие – они записали новый альбом, который не планировался. А вдохновением послужило мировое турне. И вот мы имеем возможность наслаждаться пластинкой «Comeblack», выпущенной в 2011 году.

Весь трек лист условно делится на две части. Первые 7 песен – лучшие хиты со всех альбомов, изданных за время существования группы. Это «Rhythm of Love» из «Savage Amusement», «No One Like You» и «Blackout» из «Blackout», «The Zoo» из «Animal Magnetism», «Wind of Change» из «Crazy World», «Rock You Like a Hurricane» и «Still Loving You» из «Love at First Sting». Ребята перезаписали их в согласии с современными стандартами звукотехники и представили в несколько новом свете.

Остальные 6 – кавер-версии на композиции различных коллективов, оставивших значительный след в истории рок-музыки и повлиявших на творчество самих “Скорпионов”. Нашему вниманию предлагаются новые версии «Tainted Love» от «Gloria Jones», «Children of the Revolution» от «T. Rex», «Across the Universe» от «The Beatles», «Tin Soldier» от «Small Faces», «All Day and All of the Night» от «The Kinks» и «Ruby Tuesday» от «The Rolling Stones».

Хочется отметить, что при переходе к первой же, так сказать, чужой песне замечается разница, чувствуется, что это другая музыка и несколько иной жанр. И в каждой композиции наблюдается индивидуальный стиль, свойственный исполнявшим ее музыкантам, несмотря на то, что все они звучат голосом Клауса Майне и инструментами других “скорпионов”. Ребята отлично справились с задачей, которую сами себе поставили.

Что же касается их собственных хитов, то они все также узнаются с первых нот. Благодаря использованию современной техники звук получился более объемным, насыщенным, но в то же время более мягким. Некоторые моменты, ранее не выделявшиеся, теперь стали, наоборот, звучать выразительней. Прибавилось в композициях и тяжести. Нельзя не отметить, что голос Клауса стал крепче, а где-то даже тверже. Хотя сила в нем была всегда. В общем, это все те же любимые узнаваемые песни, но звучащие несколько иначе.

От прослушивания пластинки остаются только приятные эмоции. Видно, что ребята постарались бережно сохранить главные акценты своего творчества. И то вдохновение, которое их внезапно обнаружило во время прощального тура, здесь легко замечается.

Рецензия, посвященная классическому русскому панк-року уже была, теперь поговорим о зарубежном поп-панке в лице канадского коллектива Simple Plan и о его последней пластинке 2011 года «Get Your Heart On!».

Итак, группа образовалась в 1999 году, изначально она состояла из 4-х человек, а через год к ним присоединился еще один, все по происхождению франкоканадцы. Больше состав не менялся. Как было сказано, это поп-панк группа. И хочется заметить, что данный жанр “цвел” во всей красе в период с 1993 года по 2000, а главными действующими лицами были такие коллективы, как The Offspring, Green Day и Rancid. К концу 20 столетия образовалось цело течение подобных коллективов, среди которых занимает свое место и Simple Plan.

Получается, ребята начали свой творческий путь так сказать на закате поп-панк музыки. И, надо отметить, прослушивая их композиции это сразу замечается. Вспоминаются молодежные фильмы конца 90-х начала 2000-х годов про американских школьников, ведь именно тогда и была так популярна эта музыка. Судя по тому, что такие коллективы сегодня не просто существуют, но даже постоянно выигрывают различные музыкальные премии и занимают высокие места в чартах (речь в частности идет о Simple Plan), в Америке они остаются востребованными, чего нельзя сказать о России, где гитарная музыка с каждым днем становится все более не нужной.

Теперь что касается собственно альбома «Get Your Heart On!». Название переводится примерно так: «Не падай духом!», что вполне характерно для жанра поп-панк, который сочетает в себе инструментальные принципы панк-рока, мягкие поп-мелодии и позитивную смысловую нагрузку, лишенную социальных проблем. Эта концепция явно прослеживается и на обложке, где изображена беззаботная девушка и стены, обклеенные плакатами Simple Plan, на которых они напоминают такие поп-коллективы, как Backstreet Boys, Five и подобные.

Что касается самой музыки, то никаких экспериментов не замечено, все так же, как и в предыдущих альбомах и как у других групп, играющих в этом жанре. Динамично, весело, порой лирично. В общем, тем, кто любит легкую в плане текстов рок-музыку, эта пластинка придется по вкусу. Уже по сложившейся, видимо, традиции в трек-листе присутствует немного минорных нот: «Astronaut», «Gone Too Soon», «This Song Saved My Life». Несколько выделяется на общем фоне в инструментальном плане композиция «Last One Standing», она тяжелее, можно сказать, что здесь панк преобладает над попом. Даже складывается впечатление, что смысл текста имеет протестный характер. И это, в общем, так и есть, но речь идет об отношениях с девушкой.

В заключение скажем, что некоторые песни уже были выпущены в синглах 2011 года. Так, «Jet Lag» звучит в «Jet Lag», а «Astronaut», «Loser Of The Year» и «Summer Paradise» в «Summer Paradise».

Весна этого года долгожданна для многих хотя бы потому, что группа Deep Purple подарила долгожданный альбом-вопрос «Now What?!». На него мы постараемся ответить в будущем, а сейчас вспомним творчество Джона Лорда, одного из основателей прославленного коллектива, который в июле прошлого года ушел из жизни.

Этот человек оставил после себя огромное наследие, его музыкальные интересы были действительно разнообразны – церковная и классическая музыка, блюз и рок, джаз и рок-н-ролл. Все обозреть очень сложно, тем более в коротенькой статье. Поэтому остановимся на концертном альбоме, записанном в 2003 году. Название «Live at The Basement» говорит само за себя – запись была сделана в небольшом подвальном зале в австралийском Сиднее. Царила уютная и почти домашняя обстановка. Примечательно, что насладиться ей удастся во всех отношениях – с помощью слуха и зрения. Лицензионное издание включает в себя 3 диска – 2 аудио CD и 1 DVD. Оно приятно оформлено в оранжевых, желтых, красных тонах. Это отлично настраивает на энергичную воодушевляющую музыку. Какую? Разумеемся, в этот вечер на сцене царил блюз, о чем и название группы –  The Hoochie Coochie Men – ясно говорит.

Весьма примечателен состав участников команды, которая, кстати сказать, побывала и в России. Итак, гитара и вокал – Тим Гэйз, губная гармоника – Джим Конвэй, бас – Роберт Дэйсли, ударные – Роб Гроссер. Это профи, которые известны не только в родной Австралии, но и за ее пределами. Разумеется, что на клавишных играл Джон Лорд, благодаря своему уникальному стилю и любви к органным звукам он добавил в известные блюзовые произведения, написанные в разные годы и на разных континентах, еще больше шарма.

Нельзя не сказать, что специальным гостем стал сам Джимми Барнс. Он спел одно из главных произведений вечера – «The Hoochie Coochie Man». Это легендарная песня, написанная Вилли Диксоном и с легкой руки (голоса) Мадди Уотерса покорившая сердца и умы сотен людей. Надо сказать, что в этом альбоме исполнение великолепное, драйвовое, как говорится. Впрочем, вообще весь концерт можно так охарактеризовать. В то же время он сбалансирован – здесь есть место интеллигентности, хорошему английскому и австралийскому юмору. А как иначе? Такой состав участников, да и публика, стоит подчеркнуть, этому поспособствовала, как и атмосфера зала, о которой говорилось выше.

Если остановиться именно на песнях, то их здесь 22. Красивое число, да и все композиции прекрасны, каждая – музыкальная жемчужина. С самого начала звучит «Hideaway» Фредди Кинга, которая еще знакома в исполнений Эрика Клэптона, потом мы слышим зажигательную «Lonesome Traveller Blues» самих The Hoochie Coochie Men.  В общем, тут присутствуют как собственные сочинения группы, так и в полном смысле слова исторические. А так как сыграно все действительно на отличном уровне, эмоционально, то этот альбом обязательно должен быть в коллекции. Тем более, что он хорошо рассказывает о талантливом музыканте, вложившем значительный вклад в копилку культуры.

Это имя вряд ли знакомо широкому кругу слушателей в России. Но тем и интереснее. Итак, перед нами девушка из Финляндии – страны с отлично развитой и разнообразной музыкальной культурой – достаточно вспомнить такие группы как Leningrad Cowboys или Lordi. Ее зовут Эрья Льюутинен. Она исполняет блюз, то есть хорошо владеет гитарой, особенно любит играть слайдом, и поет песни, берущие корни в далеких Соединенных Штатах.

Девушка известна не только в своей стране, но еще в Германии и других европейских государствах. Концерты дает часто. Что ж, исходя из этого, заранее можно сделать вывод, что пластинка «Forbidden Fruit» (кстати, свежая – 2013 год) выполнена профессионально. Так и есть – звук чистый, аранжировки отлично продуманы. Единственное, о чем сразу предупредим, что это нельзя назвать традиционным блюзом, это ритм-энд-блюз, то есть нечто нацеленное на массового слушателя, основанное на стилях блюз и джаз. Если взять еще шире, то это эстрадная музыка. Но сей факт совсем не значит, что она простая. Видно, что Эрья имеет огромный опыт, изучала искусство афроамериканской игры на гитаре и вокальные приемы. Поэтому далеко не все сразу поверят, что альбом принадлежит европейской белокожей исполнительнице. Примечательно, что ее сравнивают с Бонни Рэйтт. Хотя, если судить по данной пластинке, этакой резкости в голосе и манере Эрье еще не хватает. Но, с другой стороны, «Forbidden Fruit» (переводится как «Запретный плод») “родился” совсем при других условиях и на севере, что уже по-своему интересно.

Некоторых удивит, что это уже 10-ый альбом финской гитаристки, а ей… она весьма молода (к чему цифры?). Итак, тут 9 композиций. Отличное гитарное соло есть в каждой – минорное, мажорное, лиричное, резкое. Вне всяких сомнений, техника Эрьи заслуживает похвал. Может быть, не хватает оригинальности, но, надеемся, что ей она обогатится в будущем.

Темы песен также вполне предсказуемы – любовные мечты, страдания и даже сражения. Но они при этом человеческие, даже душевные. Поэтому слушать и читать тексты приятно. А вот за что хочется “подарить” певице минус, так это за художественное оформление альбома – слишком много “мишуры”, гламура. Зря, это фотомодели снимаются с гитарой ради красивой картинки, а девушке, реально владеющей инструментом, стоило бы подойти к делу иначе. В то же время Эрью можно понять – хочется предстать во всей красе. Все же это можно было оставить исключительно для глянцевых журналов.

Как бы то ни было, еще раз подчеркнем главное – это блюз, финский блюз, женский финский блюз. Также альбом как минимум достоин прослушивания для того, чтобы доказать, что молодые и красивые женщины интересуются не только тем самым R’n’B, а самым настоящим R’n’B – ритм-энд-блюзом.

Сегодня поговорим не о новом, но не значит, что о неактуальном альбоме. У нас есть возможность вспомнить 1999 год, естественно, не с точки зрения экономики. Нет, речь пойдет о творчестве – о творчестве группы Tequilajazzz, которой сегодня не существует, но прямым ее приемником является коллектив Zorge. Вообще, логичнее было бы написать про самую знаменитую их пластинку – «Целлулоид» 1998 года. Но, так как в планах у Евгения Федорова, Александра Воронова и Константина Федорова (оригинальный состав “Текилы”) значится ее перезапись, то, вероятно, о ней будет сказано в будущем. Поэтому начнем (или продолжим) делать «Сто пятьдесят миллиардов шагов»…

Название альбома легендарное. Оно говорит о том, какое расстояние от нашей планеты до Солнца нужно пройти. Рассчитывается оно не с помощью калькулятора и точного измерения метража шага, а совсем иным образом. Любопытный читатель, еще не прослушавший пластинку,  спросит: “Как?”, а мы ответим: “Этому и посвящено данное произведение”. Образный ответ получаем в песнях, а самый прямой – в «Последней». Получается, что 11 композиций являются рассказом о том, как происходит космический путь.

Что касается музыки, то это как раз второй альбом после упомянутого «Целлулоида», в котором происходит переход “Текилы” от жесткого, “мускульного” и даже “грязноватого” звучания к звуку, характеризующемуся сдержанной рефлексией, порой прерываемой сильными и энергичными рифами гитар, барабанов. Если в «Целлулоиде» речь шла по большей части, так скажем, о простых радостях жизни – лете и зиме с их развлечениями, о походах в клубы, поездках в безумную Испанию – то тут темой служит действительно высокая материя – небо, стратосфера, звезды. А то, что происходит ежедневно вокруг, будто выступает отражением всего этого величия.

Нельзя противопоставлять эту пластинку со всеми остальными, она – один из томов, рассказы перетекают, переливаются. Например, «Ветры лестниц – 2» само собой взаимосвязана с первой одноименной (альбом «Целлулоид»), а также в ней улавливается нечто от «Бай-Бай-Бай» («Абориген»).

А вот чем еще интересна Tequilajazzz и проект Zorge – бас-гитара в музыке коллективов играет огромную роль, она находится на первом плане. Все благодаря лидеру – Евгению Федорову, который, как он сам признался, поневоле стал играть на басу. Но, как видим и слышим, это привело к особенному явлению в русском роке. Само собой, что «Сто пятьдесят миллиардов шагов» порадует в этом плане – бас всюду. Также не обошлось без электронных звуков (взять хотя бы «Первую»), эффектных гитарных партий (так, в «Меня здесь нет» просто отличное соло) и стильной перкуссии. В общем, гармония, профессионализм. Поэтому вердикт: все же 1999 год оставил весьма и весьма приятные следы.

Да, уважаемые читатели действительно с легкостью догадались, что речь идет не о студийном альбоме Джо Бонамассы, а об уникальной концертной записи, посвященной событию, состоявшемуся в Венской опере летом 2012 года. И правил балом, разумеется, не электрический звук, а акустический, который рождается не только благодаря гитаре маэстро. Завораживающая скрипка, банджо, мандолина, аккордеон и голоса других инструментов, подчеркнутые изысканной перкуссией, не смогут не подарить 100 минут наслаждения. Нельзя не упомянуть имена тех, кто вышел с Джо в этот день на сцену: Джерри О’Коннор (Ирландия), Матс Уестер (Швеция), Арлан Шиербаум (США), Ленни Кастро (Пуэрто-Рико). Состав международный, он отлично подчеркивает, как музыка может объединять людей и дарить высокие чувства.

Приятно, что вышла не только аудиоверсия концерта, представленная на 2 дисках, но и видео превосходного качества на DVD и Blu-ray. Ценители блюза и отличной инструментальной музыки обязательно захотят включить хотя бы одно из изданий в свою коллекцию. Всего же для прослушивания доступна 21 песня (на CD), причем каждая из них удивительна, ведь речь идет не о традиционном блюзе, а о всемирном в буквальном смысле слова – в него вливается фольклорная музыка и даже классика.  Как упоминалось выше, продолжается это фантастическое мероприятие без малого 100 минут на аудиодиске и почти 3 часа на видео.

Проект родился не случайно. Фундамент заложила песня Бонамассы «Woke Up Dreaming». Она прекрасно сыграна на акустической гитаре и ярко выделяется среди композиций альбома «Blues Deluxe» 2003 года, большинство которых наполнено энергетикой рока. Это один из главных хитов Джо. Разумеется, что это не единственное акустическое творение музыканта. Как раз их них главным образом и создана работа «An Acoustic Evening».

Вот так и было принято решение создать, так скажем, интимную программу, лишенную “электричества”. Летом 2012 года она была представлена публике и покорила 7 европейских городов, в том числе и Вену. При этом удивительно, что с остальными музыкантами не было долгих репетиций, все произошло даже наполовину импровизационно. Это тоже является сюрпризом, оригинальной чертой данного концерта.

В итоге перед нами работа, подчеркивающая многогранность гения Джо Бонамассы и то, что его интересует не жанр или конкретная манера исполнения, а музыка в целом. Чтобы ощутить контраст его подхода, можно, например, послушать венские версии «Dislocated Boy», «Slow Train» и сравнить их с теми, которые исполняются на клубных и стадионных концертах. Такие, казалось бы, противоречия, только сильнее притягивают к блюзу и его возможностям.